À découvrir absolument

(Encore) Autre Chose

Patrice Lecot — 2026-10-02T18:19:05Z

Nouvel épisode d'Encore Autre Chose, avec plein de bonnes nouveautés dedans !

L'émission est à écouter ici :

Playlist :

Bertrand Betsch “J'aurais bien des choses à dire”

Bertrand Betsch “La transparence”

Florent Marchet “La reine du drame”

Jérôme Minière “Compostelle”

Robin Foster feat. Alexis HK “La gare”

Michael Wookey “Muddles up”

Claptrap “All the wrong answers”

Greg Freeman “Indu”

Nina Winder-Lind “Girls”

Dear Pola “Take care”

AM Higgins feat. Nadine Khoury “Ruthie”

Arianna Monteverdi “Take a chance”

PAL “Pays”

Feldup “Get up OK”

Ha The unclear “The cold”

Générique : Iologic

Kristin Hersh

Alix de Stermaria — 2026-10-02T13:04:03Z

Chez ADA, la dernière fois qu'on a évoqué Kristin Hersh, c'était en 2003, à l'occasion de la sortie de The Grotto. La présence de Howe Gelb et Andrew Bird n'avait pas suffi à tempérer un chroniqueur particulièrement remonté. Depuis, la Géorgienne a publié – en solo ou avec les Throwing Muses ou 50FootWave – rien de moins qu'une dizaine d'albums, dont un seul fut ici recensé, et qui déplut fortement. Sugar on Blackstone va-t-il renverser la tendance ? Réponse rapide : en partie. Le douzième opus de Kristin Hersh est, à commencer par sa pochette immonde, indubitablement imparfait, sauf à ce que vous préfériez la Kristin rauque à la Kristin enveloppante. De sa voix éraillée, poussant dans les aigus comme un chat enroué, la première scande des airs peu mémorables, que la théâtralité forcée ne compensera pas, tandis que la seconde, murmurant, fredonnant, harmonisant, se nimbe dans un cocon réverbéré pour mieux vous caresser l'âme. Sommet que ce Dom in Orange, qui pourrait figurer sur le mythique Hips and Makers (1994) : guitare arpégée légèrement distordue, lancinant violoncelle, magma sonore duquel émerge un chant hanté… tout vibre et résonne et met en valeur une production à la radicalité assumée. Il m'arrive parfois de louanger un disque pour son caractère organique, à savoir un enregistrement en prise directe, analogique, avec de vrais instruments, où l'on entend le souffle, les hésitations, les grésillements, ce genre de détails que le numérique peut facilement simuler, mais Sugar on Blackstone est d'une toute autre trempe. Dans sa façon de souder entre eux les instruments, d'entremêler les fréquences parallèles, de saturer les arrangements, de refuser le silence, de le tuer en un bourdon perpétuel, cet opus – probablement mono – penche du côté du Velvet Underground. On est dans le plus pur artisanat, et rien que pour ça, le voyage vaut le détour. Alors certes, Kristin Hersh – ici épaulée par le batteur Rob Ahlers et le violoncelliste Pete Harvey – n'a jamais été une fine mélodiste, mais elle compense par une personnalité débordante et un goût certain pour la tension. Le diptyque couplet / refrain n'est pas sa came ; à la place, complainte orageuse (Moths, un chouia monotone), lente litanie planante (la nuageuse Ticking), ritournelle folk (Pink Nightgowns). Si l'introductive rengaine indie-rock Dark Eyed Junco emporte la mise, l'album ronronne et peine à convaincre sur sa première moitié. C'est à partir de la ballade 101 Run que tout se décante : refrains catchy, batterie au loin, tout grésille, on se dit que Kristin tient le bon bout. S'ensuivent la hantée Sundial, la mélodieuse alt-country Snow White Lies, Dom in Orange et le velvetien '72 Stingray. Carré d'as. Des fantômes, du sucre et de la crasse, voilà qui sied particulièrement bien à cette grande dame du rock underground. Sugar on Blackstone est à marquer d'une pierre blanche.

Sugar on Blackstone de Kristin Hersh

site internet: : Fire Records

Content Blocks

gdo — 2026-10-02T13:00:27Z

Il y a quelque chose de presque maladif dans cette musique. Une manière de déformer notre perception de l'espace, comme si les murs se rapprochaient lentement de nous à mesure que les morceaux avancent. Fans and Fabricators donne immédiatement le ton. Impossible de savoir si l'on se trouve dans un bunker, un tunnel de métro new-yorkais ou dans les derniers mètres d'un rêve qui tourne au cauchemar.

Le duo formé par Matthew Hord et Ian Campbell construit un univers où le post-punk, l'industriel, les pulsations électroniques et les fantômes du krautrock semblent avoir été enfermés dans une même pièce sans la moindre source de lumière. Tout respire le béton humide, l'acier froid, les architectures qui finissent par dicter leur loi à ceux qui les habitent. Ce n'est pas une musique qui décrit une ville ; c'est une ville qui compose sa propre musique. On comprend rapidement pourquoi New York irrigue l'album de bout en bout. Difficile de ne pas imaginer le fantôme de Mark E. Smith réenregistrer, à sa manière, quelques classiques de Suicide, quelque part dans une salle dont les néons auraient définitivement cessé de fonctionner. Les morceaux ressemblent à une succession de mantras déclamés par un homme enfermé dans une sorte de purgatoire pixélisé, où les machines auraient fini par prendre le pouvoir sans jamais totalement effacer l'humain. Une atmosphère de fin du monde flotte constamment au-dessus du disque. On imagine aisément les images du dernier plan de La Planète des singes, Charlton Heston avançant sur une plage devenue le cimetière de notre civilisation, tandis que ces rythmes obstinés continuent de battre comme si plus personne n'était là pour les entendre. Cette sensation est d'autant plus troublante que rien n'est jamais appuyé. (Hard Out) avance avec une économie de moyens presque minimaliste, comme si les premiers balbutiements de Depeche Mode avaient choisi de s'enfoncer définitivement dans les ténèbres pour une ultime danse macabre.

Vibra Corridors donne l'impression d'avoir été enregistré dans l'arrière-salle d'un cabaret dont les derniers habitués auraient oublié jusqu'à l'existence du soleil. Les textures se frottent les unes aux autres, grincent, se contaminent, pendant que les voix demeurent à distance, prisonnières d'une réverbération qui les rend plus inquiétantes encore.

Puis vient Local Bodega Systems. Une marche du condamné vers la potence. Le narrateur semble vociférer contre une foule de spectateurs transformés en simples voyeurs, incapables d'intervenir, condamnés à assister à la chute comme ils regarderaient un spectacle de plus. Rarement un morceau aura donné avec autant de force cette impression d'inéluctable. Hard Out n'est pas un disque qui cherche à séduire. Il préfère installer un malaise persistant, presque physique. Derrière ses lignes minimalistes et ses rythmiques hypnotiques se cache une vision profondément désenchantée de notre époque, où la technologie, le béton et les machines semblent avoir définitivement pris l'ascendant sur les émotions. Une bande-son idéale pour observer la fin du monde... à condition d'accepter que les lumières ne se rallument jamais.

Hard Out de Content Blocks

site internet: : STTT Records

C Mon Tigre

gdo — 2026-10-02T12:56:59Z

C'mon Tigre et moi, c'est déjà une longue histoire. Une histoire faite de détours, de retrouvailles et de cette impression que le groupe italien a toujours refusé de choisir entre les chemins qu'il emprunte. Avec Lumina, il pousse encore un peu plus loin cette manière de brouiller les pistes. Le titre porte bien son nom et fait du bien en ces temps obscurs, mais la lumière ici n'a rien d'une évidence : elle clignote, se déplace, change de couleur et nous oblige à la suivre. On croit parfois avoir trouvé le fil, avant que celui-ci ne disparaisse derrière une nouvelle bifurcation.

Le disque est un jeu de piste impossible à cartographier, tant les tergiversations, toujours louables, sont nombreuses. C'mon Tigre fait cohabiter les machines et les instruments acoustiques, les pulsations électroniques et les sonorités venues d'ailleurs, sans jamais donner l'impression de chercher à fabriquer une improbable fusion pour le simple plaisir de l'exercice. Oud, violoncelle, xylophone, vibraphone et percussions viennent se frotter aux séquences électroniques, et tout cela semble fonctionner comme une grande mécanique dont on ne voit jamais exactement les rouages. (Lumina fait justement de cette tension entre tradition et expérimentation l'un de ses principaux moteurs.)

Il y a quelque chose d'assez réjouissant à se laisser embarquer là-dedans. On passe d'un parc d'attractions où un rap contemporain se serait enivré de senteurs orientales à une transe presque tribale, puis à une forme de soul qui pourrait évoquer Tricky débarrassé de son animalité la plus sombre. Ailleurs, Tinariwen semble apparaître derrière une dune avant de repartir aussi vite qu'il est arrivé. C'mon Tigre ne juxtapose pas ces références, il les laisse se contaminer. La musique avance par glissements, comme si chaque influence n'était qu'un ingrédient supplémentaire dans un plat dont le cuisinier refusait obstinément de donner la recette.

C'est ce qui rend l'écoute aussi immersive. Les voix elles-mêmes semblent parfois perdre leur fonction première pour devenir une matière supplémentaire, absorbées par l'architecture électronique lorsqu'elles n'ont plus besoin de raconter. Et derrière cette sophistication, le corps reste toujours sollicité. Le rythme n'est jamais très loin, mais il ne s'agit pas simplement de faire danser, C'mon Tigre semble vouloir retrouver quelque chose de plus ancien dans cette répétition, cette manière qu'a le rythme de nous faire momentanément oublier que nous sommes censés réfléchir. La piste de danse devient alors un territoire où les identités se brouillent, où le corps collectif prend le relais et où l'écoute finit par devenir une expérience presque physique.

Pourtant, rien n'est vraiment frontal. Même lorsque la musique semble vouloir nous entraîner dans une fête, une étrangeté vient toujours se glisser dans le décor. Quelque chose attire sans que l'on sache précisément quoi (Ceiling Drip Gospel), comme si la chanson possédait un pouvoir de séduction qui ne passait plus tout à fait par les oreilles. C'est peut-être là que C'mon Tigre est le plus intéressant, dans cette capacité à installer le doute au milieu du plaisir. On danse, mais on regarde autour de soi. On se laisse porter, mais une partie de nous cherche encore à comprendre ce qui vient de se passer.

Cette tension entre tradition et futurisme traverse finalement tout le disque. Elle ne cherche jamais à se résoudre complètement et c'est probablement ce qui lui permet de rester aussi vivant. Même les morceaux qui semblent les plus immédiatement accessibles gardent cette petite anomalie, ce détail qui empêche la musique de devenir simplement agréable. À l'inverse, les passages les plus aventureux ne perdent jamais le sens du groove. C'mon Tigre avance ainsi sur une ligne assez fine, quelque part entre le rituel et la rave, entre l'instrument et la machine, entre la chaleur du bois et le froid des circuits.

Et lorsque K//A\K//A finit par nous laisser partir sur cette marche sautillante et irrésistible, pont improbable entre Chicago et l'Afrique, on comprend surtout que Lumina n'a jamais vraiment cherché à nous conduire quelque part. Il voulait nous faire perdre le nord avec suffisamment d'élégance pour que nous ne cherchions surtout pas à le retrouver. C'mon Tigre continue ainsi à fabriquer une musique sans frontière fixe, qui emprunte à tout sans jamais appartenir complètement à rien. Un disque qui se danse autant qu'il se contemple, et dont les détours sont finalement la meilleure destination.

site internet: : CMR

Michael Wookey

gdo — 2026-10-02T09:37:47Z

Il y a chez Michael Wookey quelque chose qui me ramène immédiatement à Ed Harcourt et à Here Be Monsters, cette manière de fabriquer des chansons qui semblent avoir grandi dans un endroit légèrement à l'écart du monde. On pourrait aussi croiser la route de Sparklehorse, mais sans cette mélancolie vertigineuse qui pouvait rendre les disques de Mark Linkous presque dangereux à fréquenter. Michael, lui, troque le chapeau de cowboy pour une casquette en tweed ou un chapeau melon, et préfère avancer avec un sourire en coin, même lorsque ses chansons parlent de distance, de famille ou de ces endroits où l'on ne sait plus très bien quelle place occuper. Leaving the Table a d'ailleurs été écrit dans un moment suspendu, dans un petit appartement parisien, « dans l'attente que les choses se mettent en place ».

Ce qui frappe surtout, c'est cette impression que Michael a passé du temps dans un grenier rempli de boîtes, d'objets sonores, de vieux instruments et de machines dont on ne connaît plus exactement l'usage. Optigan, Wurlitzer, Pianet, Mellotron, synthétiseurs analogiques ou piano acoustique, il ne les empile pourtant jamais comme un collectionneur qui voudrait montrer ses trouvailles. Il les réveille, leur donne une fonction, les fait entrer dans ses chansons comme un apprenti sorcier qui aurait trouvé le moyen de rendre vivants tous les jouets abandonnés autour de lui. C'est probablement ce qui permet à Muddles Up, construit presque entièrement avec des jouets, de devenir aussi lumineux, dansant et immédiatement accrocheur sans perdre cette petite inquiétude existentielle qui traverse l'album.

Il y a également quelque chose de The Streets chez Michael Wookey, si Mike Skinner avait décidé de troquer ses machines contre une six-cordes en bandoulière et de regarder le monde depuis une chambre mansardée. Mais la vraie singularité est ailleurs. Michael possède cette capacité à créer des univers entiers en quelques minutes. Une propension que l'on pouvait retrouver chez Matthias Malzieu au milieu de sa carrière, sauf que Michael écrit des chansons là où Malzieu enfile des perles avec un marteau. Brother ressemble ainsi à une prière païenne qui aurait été traversée par un rayon de lumière, avec quelque chose de plus animal qui s'immisce progressivement dans les interstices. Une chanson sur la loyauté, le doute et l'attachement, mais qui évite soigneusement de nous les expliquer.

Même lorsqu'il avance sur un fil ténu, Wookey parvient à suspendre le temps. 44 et Shabath Goy ont cette façon elliptique de nous embarquer dans une balade nocturne au bord d'un fleuve, lorsque les contours des choses commencent à disparaître et que l'on ne sait plus très bien si l'on marche encore ou si l'on flotte. Il n'y a pas besoin de grands effets pour provoquer cette sensation d'apesanteur. Quelques sons, une voix, une mélodie qui accepte de ne pas tout dire et nous voilà ailleurs.

Puis arrive The Wild Cats of Tel Aviv, et quelque chose change encore. Magnifié par Mickaël Mottet et Julien Bousquet d'Angil & The Hiddentracks, le morceau possède une gravité particulière. Cette chanson d'amour adressée à la femme et à la fille de Michael, installées à Tel Aviv, aurait pu facilement tomber dans l'emphase. Elle choisit au contraire la retenue, laissant la distance géographique devenir une présence presque physique. Il y a quelque chose dans cette chanson qui dépasse la simple perception musicale : comme si la mélodie réussissait à rendre audible ce lien invisible qui persiste malgré les kilomètres.

Climb To You retrouve ensuite la lenteur d'un slow qui avance au métronome avant de se transformer en montée vertigineuse. La batterie et les nappes de claviers finissent par former un blizzard sonore autour de cette promesse de gravir la montagne pour rejoindre quelqu'un. Une nouvelle chanson frisson chez We Are Unique Records, dans cette lignée de morceaux capables de faire beaucoup avec peu. Missed You for a While joue lui aussi sur cette retenue, alors que I Throw Down My Hands laisse la voix flotter au bord de la rupture, avec cette utilisation de l'auto-tune non comme gadget mais comme une manière d'accentuer la fragilité.

Et puis Michael nous quitte avec Bring It On. Grimé comme un homme à l'automne de sa vie, il nous laisse avec une chanson qui pourrait être la bande-son d'un Wenders inspiré, celle d'un générique qui continuerait après la fin du film, lorsque les lumières de la salle se sont rallumées et qu'il reste encore quelques images dans la tête. Leaving the Table ressemble finalement à cela : un disque peuplé d'objets étranges, de mélodies accrocheuses et de personnages que l'on ne comprend pas toujours immédiatement, mais qui finissent par nous accompagner. Michael Wookey ne cherche pas à remplir l'espace. Il sait exactement quand laisser un peu de vide, et c'est souvent là que ses chansons deviennent les plus belles.

site internet: : We Are Unique Records

Vénérable

Alix de Stermaria — 2026-09-30T17:59:04Z

« Mon beau tzigane mon amant / Écoute les cloches qui sonnent / Nous nous aimions éperdument / Croyant n'être vus de personne ». Si les paroles de la complainte synthpop Les cloches vous disent quelque chose, c'est que vous avez passé vos années de lycée autrement qu'à somnoler. Les rêveurs du fond de la classe apprendront qu'il s'agit d'un poème de Guillaume Apollinaire, évoquant un amour impossible avec une gouvernante anglaise. Basses acides à la Birdy Nam Nam, mélodie rappelant le distingué William Sheller, vocalises friandes de jolis aigus, c'est par un bien délicat écrin que s'ouvre – une fois passée la courte introduction Nirvana – le premier album du Caennais Antoine Simoni. Si le singulier visuel de Spectacle favori s'inscrit dans une esthétique New Age, il conviendra de ne pas la prendre au premier degré. Oui, Vénérable plane, mais surtout, il danse. Son truc, c'est se dégourdir les jambes ET l'esprit. Ici, la techno est à l'honneur, qu'elle se teinte d'électro et d'acid-house (Répète si c'est oui), de tribal et de tango (Prétendant), de house (J'ai pas fait attention) ou de funk (Corps à corps). Se mélangent dans nos esprits embrumés thx4crying (le liturgique Quand tu le veux), Christophe Willem et Ophélie Winter – à force de tout oser, de tout mélanger, Vénérable en devient dada ou situationniste. Société du spectacle (favori).

Spectacle Favori de Vénérable

site internet: : H E R

Camille

Alix de Stermaria — 2026-09-29T17:55:25Z

À l'heure où Lindsay Clancy est une icône féministe, il est mal vu d'afficher le bonheur qu'il y a d'être mère. Tant pis pour Camille qui, durant un bienveillant ballet de presque deux heures, met en scène, en musique et en joie les quinze dernières années de sa vie de famille. Soit un copieux triptyque, évoquant la Naissance – collage sonore de trente minutes, constitué de field recordings, d'embryons de ritournelles, d'emballements et de fous-rires ; l'Enfance – accompagnée par le violoncelliste Pierre-François Dufour, Camille compose des comptines chorales minimalistes aussi brèves qu'espiègles ; l'Adolescence, chansons plus amples, plus travaillées, plus grises, aussi, qui vous emportent ou vous irritent – comme un ado. D'un volet l'autre, on retrouve des mélodies identiques, elles évoluent, se complexifient, grandissent – mise en abyme. Telle officine humaniste soutiendra que la vision idyllique de l'expérience parentale et des dynamiques familiales dépeinte dans The Sound of Milk occulterait une réalité plus nuancée, voire sombre, vécue par la majorité des vrais gens. Argument recevable, néanmoins oiseux. La dernière fois qu'une idéologie a arrimé au réel les artistes, on dira poliment que ce ne fut pas le meilleur des mondes. Et alors que je m'apprêtais à mordiller ce disque – trop long, trop bavard –, me voilà au champ d'honneur à défendre une œuvre qui mérite mieux qu'un rappel à l'ordre, ne serait-ce que parce qu'elle contient beaucoup plus de vérité(s) que le journal précité ne semble le croire. Voici le portrait naturaliste – radieux, très légèrement inquiet (avoir des enfants, c'est aimer infiniment, mais également découvrir la peur, infiniment) – d'une artiste qui se présente à nous dans le plus simple des appareils. Non pas un corps nu, tel qu'apparaissant sur le très beau visuel de l'album, signé Sophie Calle, mais sa voix. Sa voix guérisseuse, sa voix chat noir, faite de mille voix qui soupirent, murmurent, déraillent, réconfortent, sourient, amusent, brusquent ou bercent, qui regimbent et qui émeuvent. Quoi de plus nu, mais quoi de plus habillant qu'un chant ? L'on préférera la Camille des complaintes – merveille que la lumineuse, élégiaque et liquide No Miracle – à la Camille des comptines, trop échevelée à mon goût, mais toutes les facettes de la chanteuse méritent notre attention, d'autant plus que la production brute, qui laisse entendre les cliquetis, les grincements, les bruits de bouche, les hésitations, la reprise du souffle et les vibratos, renforce l'impression de proximité – nous partageons, sinon la pièce ou le moment, la même respiration. Parce qu'il faut le rappeler, toute agaçante soit-elle quand en tics elle se perd, Camille est une interprète hors-pair. Bête de flow, sur des morceaux tels que Le voyage, Bonjour, Monsieur Garçon et À nos enfants, elle fait des ravages – tout est si beau, si harmonieux, si précis, un ravissement. Alors oui, j'entends bien qu'elle en fait trop, surtout quand elle se pince le nez ou grince ou tonne, qu'écouter The Sound of Milk en une seule traite est une épreuve et qu'on se croirait dans une publicité Ricoré (« Le soleil vient de se lever… »), mais ZUT ! S'il y a bien un truc qui actuellement m'exaspère, c'est cette injonction à la tristesse, à la morosité, au catastrophisme, martelée par un système sophiste qui a tout intérêt à ce que nous ne croyions plus en rien – il faut être vraiment aigri pour reprocher à quelqu'un son épanouissement. Franchement, verser un peu de « lait de la tendresse humaine » dans nos oreilles saturées de cynisme, ça ne peut pas faire de mal, non ?

The Sound of Milk de Camille

site internet: : Because

VIRAGEZERO

gdo — 2026-09-29T17:55:19Z

Il y a quelque chose d'assez fascinant dans cette voix blanche, éthérée, presque avalée par un mur du son qui aurait décidé de faire fusionner My Bloody Valentine avec les tentacules d'une pieuvre répondant au nom des Happy Mondays. Une rencontre improbable, certes, mais qui donne une petite idée du trouble dans lequel viragezero aime nous plonger. Ici, les guitares brumeuses, les synthés nerveux et les rythmiques électroniques ne cherchent pas vraiment à s'installer dans une forme confortable. Tout semble en mouvement, comme si le disque refusait de choisir entre l'abandon et la tension.

Il faut dire que le premier album de ce collectif genevois n'est pas exactement le genre de disque que l'on appréhende frontalement. Un melting-pot de sensations, de rythmes et de textures, avec des senteurs orientales passées au tamis de l'électronique, qui demandent probablement de laisser tomber ses réflexes d'auditeur organisé. Inutile de chercher immédiatement la bonne porte d'entrée : la spontanéité me semble ici la meilleure façon de procéder. On se laisse traverser, on accepte de ne pas toujours comprendre, et l'on finit par remarquer que quelque chose s'est déplacé en nous.

Les textes de Zoé Sjollema, nourris de fragments de rêves, participent à cette impression de réalité légèrement décalée. Sa voix ne vient pas toujours éclairer les paysages, elle semble parfois en être une brume supplémentaire. Les mots apparaissent comme des morceaux de conversation dont on aurait oublié le début, des pensées attrapées au réveil avant qu'elles ne se dissolvent complètement. Le disque avance ainsi par glissements, entre fatigue, solitude et envie de disparaître quelques instants, sans jamais enfermer ces états dans un récit trop bien ordonné.

Ce qui me plaît, c'est cette manière de faire cohabiter des influences qui pourraient facilement se neutraliser. Le trip-hop, l'abstract hip-hop, la dream pop et les dérives électroniques ne sont pas convoqués pour dresser un inventaire de références, mais pour créer une matière mouvante, parfois abrasive, parfois presque contemplative. Les rythmes semblent vouloir nous maintenir debout pendant que les nappes et les guitares s'occupent de faire bouger les murs.

viragezero est un disque qui ne se donne pas immédiatement, et c'est probablement ce qui lui permet de rester vivant. Une musique de dérive nocturne, où l'on avance sans certitude, avec cette sensation étrange de tourner en boucle tout en découvrant, à chaque passage, un détail que l'on n'avait pas remarqué. Un disque qui ne promet aucune sortie, mais qui sait rendre le chemin suffisamment trouble pour que l'on ait envie de continuer.

viragezero de viragezero

site internet: : Les Disques Bongo Joe

Chat Pile

Alix de Stermaria — 2026-09-29T17:55:16Z

Les puristes qui nous lisent vont râler. J'ai adoré le nouvel opus de Chat Pile mais, plutôt que d'aligner les références attendues (Godflesh, Big Black, Jesus Lizard, Shellac), je vais me contenter de résumer ainsi le crépusculaire Who Loves The Sun : le troisième album du combo d'Oklahoma City est un condensé de slowcore accéléré et de grunge joué au ralenti. Slowcore, cette basse rampante, mise en avant, ces motifs arpégés, répétitifs et crasseux, cette saturation organique, telle que sur l'introductive Creature. Grunge, voire proto-grunge, cette Influence boueuse que l'on croirait interprétée par des Nirvana neurasthéniques – la tellurique Christabel ‘26 synthétise à merveille ces deux registres. A noter que Chat Pile – qui tire son nom des empilements de déchets miniers contaminés au plomb que l'on retrouve en Oklahoma, soit l'équivalent badass de nos terrils – a récemment repris Sifting et Scentless Apprentice. La filiation fait sens, mais si l'on creuse un peu plus dans les années 90, l'on trouvera des réminiscences indie-rock, et plus particulièrement de Lou Barlow. En effet, l'incandescent Deep Blue laisse apparaître une sorte de nonchalance à la Sebadoh – curseurs dans le rouge cramoisi, mais aucune démonstration gratuite. Pareil, pour la litanie October All the Time, qui rappelle Sentridoh. Ceci dit, le cœur du disque, teinté de sludge metal, est indubitablement noise hardcore, qu'il s'agisse de Family Funeral, du brûlot PEN I S MALL ou du bourdonnant Shrine. Les riffs bas-accordés, hérités du nu metal originel (Korn, Deftones), sont pour beaucoup dans l'atmosphère étouffante de cet opus – en témoigne la lancinante complainte Same Rules, orage sourd de décibels en tension. Dix titres, rien à jeter, y compris l'étonnante Intruder, qui s'aventure vers le post-punk et le math-rock, mais se termine sur du screamo pur jus, embarquant dans son sillage Claire Hannah et Brittany Sawtelle, du trio Nightosphere : un sans-faute, donc. Who Loves The Sun ? Certainement pas Chat Pile. Ici, le soleil est noir, il est ombre, il est toxique. Ce qui n'empêchera pas le groupe d'Oklahoma City de signer un disque magistral tout autant qu'éblouissant.

Who Loves The Sun de Chat Pile

site internet: : The Flenser

beabadoobee

Alix de Stermaria — 2026-09-26T15:07:26Z

Pour faire simple, beabadoobee est la Mitski anglaise – certes née aux Philippines, mais vu qu'elle avait trois ans quand ses parents se sont installés à Londres, on ne va pas chipoter, l'analogie reste pertinente. En effet, à l'instar de Mitsuki Laycock, dont j'ai en ces pages évoqué le récent Nothing's About To Happen To Me, Bea Kristi se réclame d'influences underground – Karen O, Kimya Dawson, Mazzy Star – qu'elle affadit malheureusement en une sorte de pop-rock de studio qui relève plus de la citation admirative que de l'innutrition créative. L'on ne remettra cependant pas en question sa sincérité ni ses affinités culturelles : beabadoobee a dans sa jeunesse composé une chanson en l'honneur du dictateur des Pavement (I Wish I Was Stephen Malkmus), elle s'est fait tatouer la pochette d'un album de Daniel Johnston (Continued Story with Texas Instruments) et, durant le confinement, elle a passé des nuits entières à étudier les Sundays. On l'imagine sans peine apprendre à jouer de la guitare devant un tuto Youtube, ou fredonner en rêvassant les yeux plongés dans les posters aux murs, ou chaque jour établir l'impossible classement de ses disques préférés d'Elliott Smith. Le truc, c'est que ceux qui nous nourrissent ne devraient en aucun cas être nos horizons, mais bien nos points de départ – à nous d'inventer la suite du voyage. En ce sens, le quatrième opus de beabadoobee ressemble à la brochure d'un office de tourisme. La destination ? L'indie-rock des années 90. Honorable si l'on s'en réfère à la variété francophone coprophage, mais Pylon pioche tant et tant dans les nineties qu'on se demande à quel moment la personnalité de beabadoobee va affleurer. Hole (Sun Has Set), Beck (Switchblade), les Cardigans (Memories), Garbage (Radio), les Smashing Pumpkins (Estranged), le tout arrosé de sonorités midwest emo, grunge ou bedroom-pop, et de mélodies dignes de teen-movies, rien d'indigne, même si l'on se demande ce que font là Chino Moreno (Satellite) et Brendan Yates (Powerlines) – oui, vous avez bien lu, les chanteurs des Deftones et de Turnstile figurent sur la liste des invités, tout comme Hayley Williams sur le sirupeux girly-punky Nothing To Prove. Rien à prouver ? Si, un peu quand même. Ce Pylon a beau être agréable à écouter — ça glisse tout seul entre les deux oreilles —, on aurait préféré qu'il émette un signal un peu plus personnel.

Pylon de beabadoobee

site internet: : Dirty Hit, Interscope