À découvrir absolument

Cryptic Shift

Alix de Stermaria — 2026-08-18T19:24:18Z

Allez savoir pourquoi, au moment de me plonger dans le dantesque Overspace & Supertime, le fameux vers de Dylan Thomas m'est revenu – « Do not go gentle into that good night ». Il faut dire que, fort d'une durée de 80 minutes, le second album des Cryptic Shift avait de quoi effrayer le tout-venant, qui plus est peu enthousiaste à l'idée de se fader un space-opera metal narrant les pérégrinations cosmiques d'un voyageur nommé The Recaller, traversant distorsions temporelles et champs d'astéroïdes pour retrouver une sorcière extraterrestre. À voyageur, voyageur-et-demi, c'est dans le train entre Lorient et Paris que je me suis attelé à la suite spirituelle de Visitations from Enceladus, publié en 2020 par le quatuor de Leeds. Dans la lignée de formations telles que Vektor, Blood Incantation et Voivod, le combo mené par le chanteur Xander Bradley fait preuve d'une indéniable virtuosité – guitares électriques tranchantes, complexité rythmique, structures évolutives – mais jamais au détriment de l'ensemble, préservant ainsi – lors de passages atmosphériques – la narration. Certes, dès l'inaugurale Cryogenically Frozen, qui avec fluidité enchaîne les moods jazz-prog et death metal, l'on sait où l'on met les pieds – le trash prédomine. Ceci dit, aussi massif soit-il, telle les trente minutes de l'immense Stratocumulus Evergaol (quel superbe final !), sous une épaisse couche de décibels et porté par une production clinique, Overspace & Supertime s'avère plus subtil qu'il n'y paraît. Un effet de chorus, un thérémine, une transition de binaire en ternaire, chaque détail concourt à faire de cet album intimidant, parfois trop labyrinthique pour son propre bien, un objet d'une ambition rare, mais également un trip sci-fi nous rappelant quel bien ça fait de se promener dans des mondes imaginaires. Un vrai plaisir de geek.

Overspace & Supertime de Cryptic Shift

site internet: : Metal Blade

Cocanha

gdo — 2026-08-18T19:10:10Z

Comment ne pas penser à Claude Sicre, aux Fabulous Trobadors et à cette manière qu'ils avaient de faire de la langue un terrain de jeu autant qu'un territoire de lutte ? Comment ne pas retrouver, dans Flame Folclore, quelque chose de cette démarche, notamment dans Fòrabanda, où les récits de locuteurs occitans installés à Paris dans les années 1970 viennent prolonger une histoire qui n'a jamais vraiment cessé de se raconter ? Chez Cocanha, pourtant, le geste est moins citation que prolongement : reprendre le fil, le tendre jusqu'à aujourd'hui, puis tirer dessus suffisamment fort pour faire apparaître tout ce que le folklore avait fini par dissimuler.

Car derrière les voix, les percussions et ces polyphonies qui semblent parfois flotter avec une infinie douceur, il y a une force considérable. Une force qui ne cherche jamais à s'imposer par le fracas. On pense aux chants des femmes dans les champs de riz en Zambie, à ceux de nos arrière-grands-mères dans les lavoirs : chanter pour rythmer le travail, pour décupler les forces, pour faire du collectif une réponse à la fatigue et à l'adversité. Chez Cocanha, le chant retrouve cette fonction première. Il rassemble, soutient, transmet. Et soudain, ce qui pouvait sembler appartenir au passé se remet à avancer. C'est peut-être là que réside la beauté paradoxale de Flame Folclòre, une force incroyable dans un écrin de douceur.

Les voix de Lila Fraysse et Caroline Dufau ne cherchent pas à dominer les arrangements. Elles les traversent. Elles les habitent. L'occitan devient alors bien davantage qu'une langue chantée : il devient une matière sonore, presque un instrument supplémentaire. La musicalité de la langue constitue l'un des moteurs du disque. Ses syllabes, ses inflexions, ses répétitions deviennent autant de motifs capables de faire naître le mouvement avant même que l'on ait nécessairement saisi le sens des mots.

Et c'est précisément cette sensation qui rend Flame Folclòre si singulier, les traditions ne sont jamais exposées derrière une vitrine. Elles sont remises en mouvement.

Les 59 secondes de Diurê Tremblar pourraient à elles seules résumer l'ambition de l'album. Un fragment, presque une apparition, qui fait surgir des voix, des archives, une actualité brutale, avant que Cocanha ne reprenne possession de l'espace. Il ne s'agit pas de reconstituer une tradition perdue, mais de montrer qu'elle peut encore parler du présent. Les chants anciens côtoient les luttes contemporaines, les témoignages, les préoccupations écologiques et politiques. Le passé n'est pas convoqué pour être célébré : il est réveillé pour pouvoir encore servir.

Alors on danse. On danse face aux catastrophes, face aux injustices, face à l'effacement d'une langue et aux tentatives successives de réduire le folklore à une image figée, conservatrice, voire réactionnaire. On danse comme pour les narguer. Comme si la joie constituait la réponse la plus inattendue à ceux qui voudraient imposer le silence.

C'est toute l'intelligence de Cocanha de ne pas opposer la politique à la fête, ni la mémoire à la modernité. Faire de la ronde, de la polyphonie et du rythme des espaces de résistance. Avec Flame Folclòre, le folklore cesse d'être un musée pour redevenir une pratique collective, vivante, dangereusement joyeuse. Le disque avance ainsi sur une ligne de crête assez fascinante. Il conserve les tambourins, les percussions, les voix entremêlées et les formes issues du répertoire occitan, tout en les faisant passer par des productions plus contemporaines, parfois traversées de distorsions et de collages sonores. La tradition n'est pas sanctuarisée : elle accepte le frottement, le désordre, l'électricité. Elle brûle encore.

Et c'est peut-être ce que dit le titre, Flame Folclòre. Une flamme plutôt qu'une relique. Quelque chose qui se transmet, qui change de forme, qui peut réchauffer autant qu'il peut embraser.

Cocanha mène finalement une guerre sans armes. Une guerre pacifique menée par l'art, par la langue, par la culture, par cette capacité qu'a encore la musique de faire communauté. Une guerre que l'on pourrait presque gagner en chantant. Et lorsque les dernières voix s'éloignent, on comprend que ce n'est pas le folklore que Cocanha cherche à sauver. C'est sa capacité à rester vivant.

Flame Folclòre de Cocanha

site internet: : Les Disques Bongo Joe

ADA VOLUME 66

gdo — 2026-08-18T08:37:41Z

Salut,

non non, vous ne rêvez pas........la campagne d'inscription pour le 66 éme Volume de nos compilations est ouverte.

Pensez à écouter certaines des précédentes compilations pour être assuré de coller avec la « ada touch » : https://adecouvrirabsolument.bandcamp.com

Pensez à nous envoyer votre morceau aussitôt votre inscription faite (pour info vous ne recevez pas de mail de validation à geralddeoliveira@gmail.com)

Les compilations ADA sont désormais sur bandcamp en name you price, l'ensemble des gains servant à acheter des crédits pour les telechargements gratuits.

Fin des inscriptions mi novembre 2026 pour une mise en ligne début décembre 2026.

Si vous souhaitez réaliser l'artwork, contactez nous.

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merci

Ratboys

Alix de Stermaria — 2026-08-17T20:23:07Z

Dans une récente chronique consacrée à Death Cab For Cutie, nous évoquions la défection du multi-instrumentiste Chris Walla, membre originel du groupe américain et producteur pour Nada Surf, The Decemberists ou Rocky Votolato. Synchronicité digne de William Burroughs oblige, alors que j'écoute le très plaisant Singin' To An Empty Chair, au moment même où je me félicite du travail soigné accompli sur le son des guitares, ainsi que de la tonalité du disque – l'ensemble est frais, accessible, optimiste –, il apparaît que Christopher a collaboré avec les Ratboys, leur permettant d'enregistrer un sixième opus à l'ambition mesurée – morceaux longs, dénués d'affectation – et à l'atmosphère authentique tout autant que lettrée. À cheval entre années 90 électrifiées et americana borderline, sans surprise, ça fonctionne. Formé en 2010 à Chicago, le quatuor mené par la chanteuse Julia Steiner et le guitariste Dave Sagan tire son patronyme d'un surnom attribué à Julia durant ses années de lycée. Sympathique. On a les camarades de classe que l'on peut… Ouvrant sur la lumineuse ballade country-folk Open Up, lent crescendo ligne claire avant l'irruption d'une six-cordes énervée, les Ratboys enchaînent les compositions indie-rock (Know You Then, on se croirait sur MTV), power-pop (l'entêtant Anywhere) et alt-country (Penny in the Lake, délice que ces chœurs à la tierce), se permettant d'écrire de longues ballades ouatées, parées de piano réverbéré et propices à la rêverie, à l'image du somptueux Just Want You to Know the Truth, huit minutes en apesanteur. À l'opposé du spectre émotionnel, se niche une petite tuerie indie-rock portée par un beat métronomique et des motifs répétitifs (What's Right ?), ou une rengaine country-rock psychédélique, aussi vaporeuse qu'étirée et hypnotique, véhiculant son intitulé (Burn It Down) comme un inquiétant mantra. On pense parfois aux éclectiques Yo La Tengo (Light Night Mountains All That), mais également à Wilco et American Football – nobles références, qui n'occulteront pas les particularités du quatuor de Chicago : un goût certain pour les montées Midwest emo et les séances d'improvisation, sans oublier la signature vocale de Julia. Voix de tête singulière, légèrement chevrotante, parfois limitée, elle pourra dérouter l'auditeur mais incarne à merveille une vulnérabilité assumée, qui donne toute sa force – et son identité – au disque. Avec le solide Singin' To An Empty Chair, les Ratboys confirment qu'ils sont une valeur sûre du rock indépendant actuel.

Singin' to an Empty Chair de Ratboys

site internet: : New West

Phoebe Bridgers

Alix de Stermaria — 2026-08-17T20:01:32Z

Raconter sa vie en chansons, déboires y compris, pourquoi pas ? L'artiste se défoule, exorcise, cicatrise, peut-être ; l'auditeur, lui, se sentira moins seul, moins stupide, ou moins incompris. Disque après disque, le lien entre les deux se renforce – ersatz d'intimité partagée, à sens unique, le business adore. C'est ainsi qu'à l'écoute du troisième album de Phoebe Bridgers, vous apprendrez que l'acteur Paul Mescal a annulé leurs fiançailles (la litanie Lost Weekend et son final électro-toc à la Craig Armstrong) pour se jeter dans les bras de la piquante Gracie Abrams (la ritournelle The Governor's Waltz, toute de chant flûté et de guitare arpégée), qu'elle a néanmoins retrouvé l'amour (la pop song boursouflée Bobby, trop bavarde) et que – plus tragique – la Californienne peine à surmonter le deuil de son père (l'éthéré Still Standing), dont un message vocal figure sur la rengaine country Never Going Back ! Au casting de ce nouvel opus, faisant suite à l'acclamé Punisher (2020), du beau monde : outre Julien Baker et Lucy Dacus, ses comparses au sein du supergroupe boygenius, qui assurent les chœurs et les harmonies vocales, l'on y croise Alex G, Maya Hawke ou l'arrangeur Jon Brion (Fiona Apple), mais également – et ce n'est pas pour nous rassurer – le producteur Jack Antonoff, aux manettes derrière les œuvres récentes de Doja Cat, Sabrina Carpenter et Taylor Swift. Ses gimmicks ? Le chant-confession, enregistré au plus près du microphone ; les vagues sonores scélérates, telles que sur la ballade folk Kill Me, lysergique, patiente, épurée, jusqu'à son final trip-hop pompeux, ou la complainte pianistique As Above ; l'enchevêtrement des textures électroniques et acoustiques, qui font que l'on ne sait plus qui joue quoi et comment et pourquoi. Ce qui n'est pas très grave, j'en conviens, mais – foisonnement et créativité n'étant pas toujours synonymes – les compositions n'en paraissent que plus dispersées. Avec le très attendu Lost Weekend, acclamé par la critique avant même sa publication, le mystère Jack Antonoff persiste : comment peut-on avoir la main si lourde et sonner si lisse ? Car oui, en dépit de paroles frontales et de passages ambitieux, entre autres l'introductive The Outside, lancinante comme du Sigur Rós, ou la glorieuse – harmonica, banjo, chœurs virils – cavalcade country-pop I Can't Wait, qui bascule dans l'électro, l'ensemble est aussi convenu que long, bien trop long. Seize titres, c'est au moins quatre à jeter, dont le lounge Panorama, la complainte Other Plans et le bouche-trou Lost Parade. Au-delà de l'absence de sommets, Lost Weekend est plombé par une sorte d'indécision artistique, qui consiste à hésiter entre plusieurs registres sans jamais choisir (Liberty Tree), et un mood teen movie un peu gênant (mais tellement américain), que l'on retrouve sur la pop country-folk Haunted et la rengaine indietronica Lost Boys, taillée pour les stades. Malgré quelques brèves fulgurances et aventureuses digressions, l'on déplorera un manque d'épure, d'âpreté, de réel danger – l'on est bel et bien face à de la pop calibrée. À se demander si le soi-disant ADN indie de Phoebe Bridgers n'était qu'un leurre – le calibrage, probablement un passage obligé vers l'étage supérieur. Le plumage au détriment du ramage, voilà le goût amer laissé par ce luxueux gaspillage.

Lost Weekend de Phoebe Bridgers

site internet: : Dead Oceans

King Gizzard & The Lizard Wizard

Alix de Stermaria — 2026-08-17T19:50:09Z

Examen de conscience : si ce disque n'était pas l'œuvre de King Gizzard & The Lizard Wizard, l'écouterions-nous avec bienveillance ? Probablement pas. Déboulant sans prévenir en plein cœur de l'été, dix ans après un Nonagon Infinity qui fonctionnait sur un même principe de boucle, le 28ᵉ album des Australiens nous convie à rien de moins qu'une rave-party. Après des mois de tâtonnement et une jam (en fa#, vous apprécierez le sens du détail) enfin concluante, qui servira de point de départ aux huit compositions d'un Alien Metal pas si WTF que sa parution surprise ne le laisserait supposer, Stu Mackenzie et ses acolytes férus de synthétiseurs modulaires – aucune guitare électrique en vue, donc – nous livrent une tambouille électronique qu'il sera difficile de qualifier : un pied à Ibiza (David Guetta), un autre dans une usine désaffectée de la banlieue de Manchester (The Chemical Brothers), le troisième chez Eric Serra (oui, oui). Rien d'extravagant, de surchargé ou de trop daté, production abrasive et néanmoins sobre, nulle parodie des nineties au programme, le sextet a trop bossé pour sombrer dans la facilité, sauf à considérer l'enrobage politico-futuriste des textes comme plutôt convenu – l'introductive Sapience, teintée de trance, d'acid et de techno, cite la société Palantir, spécialisée dans la méchanceté ; plus loin, transhumanisme, intelligence artificielle, dépendance cybernétique, militarisation technologique, apocalypse nucléaire, retour au début de la boucle, et ainsi de suite. Voici une énième et stérile vision nihiliste, malheureusement portée par d'épuisantes voix sous vocodeur et des chœurs dignes de la bande son des Visiteurs - le jungle Level 5 et ses basses liquides se parent d'un mood Chaussée aux Moines qui fera franchement froncer les sourcils. C'est durant l'impeccable instrumental final Atomic Collapse, oscillant entre rave et psytrance, que l'on réalise à quel point ce disque aurait pu, sans ces fichues vocalises, être tranchant. Parce que oui, les amen breaks de Kill For The Steel, les sonorités acid house de Superheavy, Supercritical, les percussions cyberpunk de Rapid Alpha Decay, la radicalité gabber de Uqt, rien à dire, ça fait le café – si l'on aborde ce nouvel opus sous l'angle des registres qu'il égrène, Alien Metal est un bon cru, qui aurait gagné à mettre de côté le chant robotique pour mieux laisser respirer les machines. Paradoxal, et frustrant.

Alien Metal de King Gizzard & The Lizard Wizard

site internet: : p(doom) records

SML

Alix de Stermaria — 2026-08-14T08:24:53Z

Originaire de Los Angeles et en activité depuis 2022, le quintette SML (pour Small Medium Large) a la particularité d'enregistrer – en studio – de longues plages improvisées, nourries de jazz avant-gardiste, de krautrock, d'afro-beat et d'ambient, puis, à la manière des Allemands de Can, de procéder à un minutieux travail d'édition et de découpage des pistes audio, démarche exigeante de re-composition leur permettant d'orfévrer deux albums bien reçus pas la critique et d'élargir leur audience : il faut dire que les musiciens du groupe ne sont pas nés de la dernière pluie – en témoignent des collaborations avec Phoebe Bridgers, Meshell Ndegeocello et autre Perfume Genius. Éclectiques, donc. Prenant à rebours le processus à l'œuvre derrière les opus Small Medium Large (2024) et How You Been (2025), la bassiste Anna Butterss et ses acolytes – le guitariste Gregory Uhlmann, le claviériste Jeremiah Chiu, le saxophoniste Josh Johnson et le percussionniste Booker Stardrum – se piquent d'enregistrer un disque live, mixé en direct et non retouché avant sa sortie. C'est ainsi qu'en décembre 2025, au Zebulon (un club situé sur Fletcher Drive), furent captés les instrumentaux qui constituent le bien nommé Spontaneous Music Live. S'ouvrant sur un lit de polyrythmies kaléidoscopiques, basse krautrock et synthétiseurs pointillistes en avant, le tournoyant The Drums petit à petit glisse vers un groove entre dub et soul, à la lisière de la blaxploitation. Plus hypnotique, bâti à partir d'arpèges et de boucles électroniques qui patiemment s'empilent jusqu'à la transe, Roundabouts plonge dans un psychédélisme un peu raide duquel les interprètes s'en sortent par la transe – exercice fascinant que l'improvisation. Même si l'absence de climax et certaines transitions un peu flottantes nuisent à l'ensemble, pour peu que l'on surmonte son appréhension pour un répertoire pénalisé par son aura snob, Spontaneous Music Live s'avère une expérience brute, accessible et enrichissante. Conseil d'ami : écoute attentive (au casque audio) impérative.

Spontaneous Music Live de SML

site internet: : International Anthem

Wendy Eisenberg

Alix de Stermaria — 2026-08-14T08:24:50Z

Curious Bird. L'intitulé de cette pop song alambiquée tout autant qu'arty, sur laquelle – avec grâce – pépie Wendy Eisenberg, ferait un surnom aussi référencé que pertinent : son éclectisme éclairé, sa virtuosité sans affectation et son amour des dérapages contrôlés nous rappellent un autre oiseau, le chicagoan Andrew Bird, Cela étant, Wendy sait délaisser les harmonies ciselées au profit de l'ivresse qu'il y a d'emprunter – d'improvisation en expérimentation – les chemins de traverse. Contrairement à ce que le visuel pourrait laisser croire, point de folk sur cet éponyme huitième album, ou alors du folk avant-gardiste, teinté de jazz, de prog et de musique de chambre. Sous les doigts de Wendy, les notes de guitare vibrent chaleureusement, mais – porté par un riche instrumentarium – l'ensemble, d'apparence simple, est ultra sophistiqué : toujours, l'oreille se tend, intriguée par un phrasé à contretemps, un arrangement inattendu ou des syllabes qui se décalent, puis retombent – miraculeusement – sur leurs pieds. Virtuosité, disions-nous, mais sans esbroufe. Après une courte introduction pastorale (Take A Number), le disque égrène les ballades country folk millimétrées (Meaning Business), les ritournelles solaires (Old Myth Dying), les mélopées impressionnistes (Vanity Paradox). L'on percevra quelques réminiscences de Nick Drake, mais également cette liberté sans œillères chère à Joanna Newsom. Saupoudrées de pedal steel, de cordes et de Wurlitzer, les dix compositions de Wendy Eisenberg s'offrent des digressions cinématographiques (The Walls) ou exotiques (le mood bossa-nova de The Ultraworld), c'est franchement délicieux.

Wendy Eisenberg de Wendy Eisenberg

site internet: : Joyful Noise

Olof Dreijer

Alix de Stermaria — 2026-08-11T14:48:52Z

Une suprême tannée. L'on parle pourtant du premier album solo d'Olof Dreijer, moitié du duo culte The Knife, formé avec sa sœur Karin à Gothenburg en 1999 et dont nous sommes sans nouvelles depuis une bonne dizaine d'années – le temps pour le Suédois d'affûter ses talents de producteur puis d'arpenter, sous bannière DJ Coolof, l'Europe des night-clubs, avant de se poser et d'œuvrer – à compter de 2021 et la publication du EP Echoes from Mamori – sous son nom propre. Un retour à soi, marqué par l'inaugural Loud Bloom, manifeste électronique d'une durée de 75 minutes, sans sommets ni fil directeur, à l'image de ces restaurants dont la carte est si riche qu'elle en devient sans saveur. Côté pile, de la house-techno exotica lounge rappelant l'affreux St Germain (Plastic Camelia), de la dance music taillée pour les clubs de plage (Echoed Dafnino) et un enrobage world parfois malaisant. Tout n'est pas indigne, l'on apprécie le foisonnement de percussions de Acuyuye et la tension hip-hop de Makwande, sachant que par ailleurs les chanteuses invitées – Diva Cruz, Toya Delazy et MaMan – font le job. Côté face, l'incompréhension. À compter de l'intermède ambient Laurel, le disque s'engage dans une phase atmosphérique qui se veut expérimentale tout autant qu'artistiquement ambitieuse, à la manière des musiciens piqués de néo-néo-classicisme, incapables d'entendre que leurs créations sont plus proches de la muzak que de Ravel. Les huit minutes de Pern Valley paraissent interminables, quand Lantana, avec son pauvre violon noyé de réverbération, illustre la démarche vaine et vaniteuse de son auteur. Il semblerait qu'en bon intellectuel qui a trop réfléchi, Olof souhaitait mobiliser nos esprits tout autant que nos popotins, que l'on remuera mollement, puisque Loud Bloom est tout sauf loud. Reste une lueur d'espoir, avec l'introductive Rosa Rugosa qui – par ses claviers vrillés, striés, tranchants, liquides, aciers – brièvement nous rappellera The Knife. C'est bien trop peu.

Loud Bloom de Olof Dreijer

site internet: : Rabid Records

Weird Nightmare

Alix de Stermaria — 2026-08-11T14:45:34Z

Et si les nineties avaient été – sans que l'on s'en rende vraiment compte – les nouvelles sixties ? À l'écoute du second album de Weird Nightmare, projet solo d'Alex Edkins, le guitariste chanteur des regrettés canadiens de METZ, la question ne paraît pas idiote, tant Hoopla – fort de mélodies solaires et d'une écriture plus fine qu'il n'y paraît – s'infuse de pop électrifiée rappelant Weezer, Sugar, Dinosaur Jr. et autres Yo La Tengo. Après un premier opus publié en 2022, le natif d'Ottawa, par ailleurs collaborateur de Julianna Riolino, s'est adjoint les services de Jim Eno (Spoon) pour enregistrer les dix compositions d'un album aussi frais (on se croirait dans le film Empire Records) que concis – une demi-heure et des brouettes, emballé, c'est pesé. S'ouvrant sur le grungy Headful of Rain, gorgé de chœurs et de décibels, le disque enchaîne les pépites, dégoulinantes de fuzz (Might See You There) ou délicieusement binaires (la cavalcade Forever Elsewhere). Et puis ce changement de tonalité sur le pont de Baby Don't, miam miam. Canon, le quatuor de départ. Il serait donc injuste de maugréer dès lors que Weird Nitghmare ralentit à l'entrée du premier virage : oscillant entre jangle pop (Never in Style), ballade catchy (If You Should Turn Away), power pop (Little Strange) et garage (Pay No Mind), le ventre mou de l'album – mélodies moins scintillantes et arrangements trop référencés – ne fait en réalité que préparer le terrain à un final lumineux – quels refrains que ceux d'un Bright City Lights évoquant R.E.M., quelle douceur que le pont psychédélique de Where I Belong. Inventif tout autant qu'humble et artisanal, cet opus est une ode à la spontanéité, à la mélodie, au plaisir (partagé) qu'il y a de composer de la musique : mon cœur fait Hoopla boum.

Hoopla de Weird Nightmare

site internet: : Sub Pop