À découvrir absolument

Morrissey

Alix de Stermaria — 2026-04-02T18:50:22Z

Plus d'un mois qu'en vain je tourne autour de la chronique de Make-up is a Lie, le quatorzième album de Morrissey. De la pochette aux textes, en passant par la musique, c'est un désastre absolu, mais un désastre plein de panache, ce qui le rendrait presque attachant. Quand nos Grands Anciens vacillent, ils suivent une certaine logique. Nick Cave prêche des sermons évangélistes sous une tente vide dans le désert ; PJ Harvey lit ses poèmes abscons à la MPT de Rocamadour, pieusement admirée par une assemblée d'institutrices en polaire Quechua ; Jarvis Cocker se métamorphose en Tom Jones, slip léopard à l'appui, et danse lascivement devant son miroir. Vieillir, c'est empirer ? Steven Patrick Morrissey, lui, il s'en fout, il est né vieux. Déjà, les Smiths, c'était des rengaines à guitares pour jeunes vieux. Sinistre. Les jeunes vieux, ce sont les pires. Ils n'ont rien vécu, mais ils ont toujours une leçon de vie à vous fourguer. Donner son avis, même quand on ne lui demande rien, le Moz, il a toujours kiffé ; niveau édification des esprits, c'est le pape, et son Vatican, Manchester la grise. Alors quoi de plus naturel pour un pape (de la pop) que de s'époumoner au sujet de l'incendie de la cathédrale Notre-Dame de Paris ? « Before investigations, they said there's nothing to see here… » Sous une mélasse électro de trois accords joués en boucle, Notre-Dame se voit ravagée par les flammes d'un lyrisme bon marché, que n'atténuent pas les arrangements de cordes, sirupeux et signés Sage (oui oui, le fidèle collaborateur de Clara Luciani). Plus loin, c'est la complainte tire-larmes Boulevard et ses violons en plastique, qui voit Morrissey surjouer l'accent cockney et atteindre l'emphase des comédies musicales mortifères qui pullulèrent dans les années 2000, où tout était prétexte à brailler la bouche grande ouverte, s'arracher les cheveux et se rouler au sol, en mimant l'amour ou la mort. « Boulevaaaaaaaaaard », tel en est le refrain, répété en boucle, sommet d'inspiration. Morrissey semble s'être pris d'affection pour le pays de Jeanne d'Arc, au point d'y enregistrer son disque et d'inviter Keren Ann sur l'énergique, orientalisante et lourdingue Zoom Zoom the Little Boy. Neil Hannon, Stuart Staples, Peter Doherty, la France, refuge des crooners en panne ? Je n'avais pas prévu de m'acharner sur Make-up is a Lie, mais voilà ce que l'on y trouve : une honorable rengaine post-punk (You're Right, It's Time, soit le Moz s'inspirant des Editors, eux-mêmes inspirés par les Smiths, cocasse) ; une reprise-pastiche funk FM – avec refrains planants à la Hair – du Amazona de Roxy Music ; des solos de guitare à la Dire Straits (la ballade éthérée Headache et sa puérile mais marrante litanie « I don't like you » ; des arrangements John-Barry-du-pauvre (Make-up is a Lie) ; un ersatz du Get Lucky de Daft Punk (Lester Bangs) ; du groove qui ne groove pas (The Night Pop Dropped, les Red Hot sans Chili Peppers, mais avec ventre d'agneau, pouah) ; de l'héroïsme bon marché digne d'Arcade Fire (Kerching Kerching, le capitalisme c'est vilain) ; une chanson de baroudeur sentimental (Many Icebergs Ago = Le vent nous portera). Au regard de ce qui a précédé, le conclusif, rêveur et réverbéré The Monsters of Pig Alley fera office de câlin réconciliateur. Un truc que l'on ne saurait lui reprocher : Morrissey chante toujours aussi bien. Que l'album soit une catastrophe industrielle, qui plus est à la hauteur de son ambition démesurée, reste au fond anecdotique. Morrissey est intrinsèquement too much, il l'a toujours été, c'est comme ça, point barre. Par contre, l'étonnante bienveillance des chroniqueurs francophones à son égard m'intrigue : à les lire, on sent de la retenue, de la gêne, de la pudeur. Ils tournent autour du pot, comme ils le font souvent avec les Grands Anciens. Il y a la peur de se mettre à dos tel label ou tel attaché de presse, voire l'artiste lui-même, il y a la crainte de passer pour un rageux, de s'entendre dire que si l'on n'aime pas le disque, c'est qu'on n'a rien compris, et si c'est pour en dire du mal, pourquoi en parler, on participe à la méchanceté du monde, et puis Morrissey il est riche il s'en fiche de toi petit plumitif sans importance. Bref. À défaut de nous rassurer sur l'état de santé artistique du Moz, Make-up is a Lie dressera en creux un portrait peu flatteur de la critique hexagonale.

Make-up is a Lie de Morrissey

site internet: : Sire Records

The Notwist

Damien B — 2026-04-02T18:32:45Z

Écouter News from Planet Zombie de The Notwist pendant qu'une tempête fait rage est une décision stratégique pour votre santé mentale, et votre plaisir sonique. Voici 6 raisons pour choisir ces mélodies made in Weilheim ou Munich plutôt que les rafales de vent cruelles :

1. Le passage de l'isolement à la communauté Contrairement à la tempête qui est une force solitaire et dévastatrice, cet album a été conçu comme une œuvre de communauté. Là où le vent vous isole derrière vos fenêtres, la musique de The Notwist recrée un lien humain palpable, transformant votre salon en un espace de partage (sans overdose de patchouli) plutôt qu'en abri de fortune.

2. Un ancrage contre l'accélération du monde La tempête est l'incarnation de l'agitation incontrôlable de notre époque. Cet album permet de freiner et de s'extraire de nos existences survoltées. C'est une ancre musicale qui offre une pause nécessaire là où l'actu hurle à l'urgence (avec un fort accent américain).

3. Un baume pour l'oreille Le fracas du tonnerre et le sifflement du vent sont des bruits blancs, chaotiques. À l'opposé, la production de cet album est un régal sonore qui sonne incroyablement juste, grâce à une précision chirurgicale et une texture sonore riche comme un Christstollen.

4. Un album qui glisse comme un rêve. Contrairement à la tempête qui est faite de sursauts imprévisibles, cet album propose un voyage musicale délicieusement mélodique, tout en douceur et liquidité.

5. Le radicalisme de la familiarité Il y a quelque chose de tranquillement radical à entendre un groupe sonner exactement comme lui-même après des années d'expérimentation. Dans le chaos des tempêtes, retrouver le son signature de The Notwist apporte ce sentiment de sécurité et de continuité si rare. Ce qui donne envie de le partager, avec sa famille, ses amis, ses voisins et même pourquoi les autres passagers du bus qui lisent des news non sourcés sur Twitter alors que dehors la pluie et le vent qui tapent sur la vitre m'empêcheraient presque d'écouter cette merveille.

6. Red Sun : un remède à la grisaille Si le ciel est sombre et menaçant, le morceau Red Sun offre une alternative chromatique et sensorielle idéale. C'est le point d'ancrage idéal pour être ébloui par une lumière différente de celle, électrique et blafarde, des éclairs.

En plus, chose rare pour The Notwist, c'est une reprise d'un morceau publié sur un album un peu oublié de Neil Young : Silver & Gold sorti en 2000.

Un album dont la pochette est une photo prise au Game Boy par sa fille. Ce qui donne paradoxalement à cette image pixelisée un côté encore plus humain qu'un portrait classique. De la même façon, The Notwist transforme cette ballade mélancolique en une aurore boréale électronique, prouvant que même au cœur du déluge, la plus belle des lumières est celle que l'on cultive ensemble.

News from Planet Zombie de The Notwist

site internet: : Morr Music 

En route, Boys

gdo — 2026-03-30T16:00:36Z

C'est le genre de disque qu'on n'avait pas vu venir, et qui, dès les premières secondes, impose sa météo intérieure. Une belle embuscade tendue par le label Fovéa. En route, boys — les nostaliques Hunter S. Thompson ne sont jamais loin — trio formé par Alexandre Gariépy, Marc-Antoine McMullen et Clément Desjardins, signe là une des propositions les plus intrigantes de ce début d'année.

On nous parle de “Cosmic American Music” version québécoise, dans le sillage de Gram Parsons. Soit. Mais à trop vouloir nommer les choses, on finit parfois par les figer. Ici, mieux vaut lâcher prise et accepter de se perdre. Car sous cette étiquette un peu floue, c'est surtout le jazz qui affleure — non pas comme un genre, mais comme une manière de respirer, d'ouvrir les formes, de refuser les lignes droites.

Il y a chez eux quelque chose de l'esprit de Tortoise période TNT, cette façon d'étirer les motifs jusqu'à les rendre presque liquides (outremonde). Mais là où d'autres s'abîment dans la démonstration, En route, boys privilégie le mouvement. Les morceaux mutent en permanence, Sapporo (1L) en tête, comme quand Brian Eno et Daniel Lanois s'étaient amusés à dynamiter Bass Trap échappé de The Unforgettable Fire. Ça vrille, ça bifurque, ça s'étire — mais jamais au point de rompre le fil.

Car ici, contrairement à une certaine avant-garde qui confond exigence et hermétisme, l'auditeur reste au centre. Tout est affaire de sensation. On écoute ce disque comme on regarde un film en Cinémascope, happé par les textures, les perspectives, les faux ralentis. Le cinéma n'est d'ailleurs pas une simple référence : il irrigue des morceaux comme Wise Men Fish Were, véritable travelling sonore en suspension.

Synthétiseurs modulaires, saxophone, nappes mouvantes : le trio tresse ses matières avec une précision d'orfèvre, sans jamais tomber dans la froideur. Au contraire, ça pulse, ça respire, ça vit. Une pièce comme en pasant (bienvenue demain peut être que) réussit même ce petit miracle : faire cohabiter l'organique et le synthétique sans que l'un ne prenne le pas sur l'autre.

Et puis il y a cette obsession de l'amplitude. Rien n'est laissé au hasard, mais rien ne semble contraint. Le groupe préfère fouiller le passé, en exhumer des fragments, plutôt que de singer un futur déjà périmé. Résultat : une musique hors-temps, qui échappe aux modes sans jamais donner l'impression de les ignorer.

On en ressort à la fois sonné et apaisé, surpris par tant d'audace mise au service d'une forme de simplicité presque insolente. Comme un film qu'on aurait rêvé sans jamais pouvoir le raconter.

Ironie douce : j'écoute ce disque au lendemain du passage à l'heure d'été, et son dernier morceau, crépusculaire et fragile, résonne comme un entre-deux — quelque part entre la mélancolie et la lumière. On pense, de loin, à la relecture de Blank Generation par Diabologum, mais passée à travers un filtre québécois et jazz.

Au fond, c'est peut-être ça, leur force : transformer sans dénaturer. Faire beaucoup, avec une grâce qui donne l'impression du peu.

Jubilatoire.

site internet: : Groupe Fovéa

Witch Post

Alix de Stermaria — 2026-03-30T14:01:33Z

Trop mignon, le storytelling autour des Witch Post et leur improbable rencontre. D'abord virtuelle (par un heureux hasard, dans le train entre Londres et Édimbourg, il écoute Big Bunny, son EP à elle : il kiffe) puis réelle (à l'issue d'un concert de Charli XCX, ils décident de faire de la musique ensemble, oh oh oh) et – enfin – alchimique : Alaska Reid est originaire de Livingston (Montana), tandis que Dylan Fraser est originaire de… Livingston, mais en Écosse. Il y a de la magie dans l'air, que dis-je, de la sorcellerie !!! En tous cas, Dylan et Alaska y croient et ne se privent pas d'en abreuver les textes de leurs chansons, à tel point que l'on se croirait dans une partie de Donjons et Dragons. Ils sont malins, également, parce si vous écoutez d'une oreille distraite leur nouvel EP, vous croirez entendre des pop songs électrifiées fleurant bon les nineties. Un zeste de shoegaze, une pincée de slacker, un glaçage à la Dinosaur Jr., un chant mixte à croquer et des harmonies vocales entremêlées, impossible de résister à l'inaugurale Changeling. Classique instantané ! Sauf que la chanson porte bien son nom : c'est un leurre. Vingt minutes et six morceaux plus tard, vous saisissez l'arnaque. Le référentiel des Witch Post, c'est l'emo (l'emphase lourdingue de Witching Hour, qui voit Dylan se prendre pour Dolores O'Riordan), c'est le romantisme bon marché des teen movie fantastiques (la ritournelle Twin Fawn), c'est les mollassons The xx et leurs gimmicks mélodiques paresseux. L'affreuse ballade 00s Country Sour et l'interminable Tilt-a-Whirl enfoncent le pieu dans le cœur du vampire musical qu'est ce charlatan de Butterfly, et ce n'est pas l'éruption grunge pop lo-fi Something to Give, qui a le mérite de décrasser les oreilles, qui le ressuscitera. Jurisprudence Softcult oblige, nous pourrions accorder au duo le bénéfice du doute, au moins jusqu'à leur premier album, mais sachant qu'en solo Alaska Reid, qui a largement passé la trentaine et court en vain derrière le succès depuis des lustres, fait de la grosse soupe et fréquente le producteur de Charli XCX, il y a fort à parier que Witch Post n'est une industry plant parmi d'autres. Quitte à écouter de la musique composée par une Reid et un Fraser, autant que ce soit celle de Jim et Elizabeth, non ?

Butterfly de Witch Post

site internet: : Partisan

De Medicis

Alix de Stermaria — 2026-03-30T13:40:45Z

Qu'on le veuille ou non, la France n'est pas un pays de rock'n roll. Au mieux, l'on imite, au pire, l'on pastiche. Underground, mainstream, même combat – perdu d'avance, malgré l'existence d'Internet qui par mille multiplie nos chances de coups de cœur. Avant la toile d'araignée ? L'auditeur s'en remettait aux prescripteurs. Et pour les musiciens, nul espoir de diffusion sans passer par les cases label, studio et médias traditionnels. Un chemin de croix qui ne vous garantissait rien, pas même un embryon de carrière, d'autant plus lorsque vous chantiez en anglais. Au pays de Johnny, un suicide commercial. Alors, quand De Medicis a signé chez New Rose Records, tous les espoirs étaient permis. Rendez-vous compte, sur la foi de quelques maquettes, le trio grenoblois se voyait hébergé par label des Fleshtones, des Cramps et du Gun Club, énorme ! S'ensuivit la parution – en 1991 – d'un premier opus éponyme, tièdement accueilli par la critique (bah oui, un groupe français qui chante en anglais…), dont les ventes modestes n'empêcheront pas le chanteur bassiste Jérôme Planchenault et ses acolytes – le guitariste Jean-Michel Larue et le batteur Japy Lo Pinto – de tourner et d'assurer les premières parties de Noir Désir, New Model Army ou Passion Fodder. Plus tard, changement de personnel, de manager, séparation avec le label, puis séparation tout court, laissant un album (Dans la poussière) sur le carreau. Fin de l'histoire ? On a récemment croisé Jérôme chez TO/X et Japy au sein de Wendy Pot (chouette disque que leur Poppy Field, publié en 2024), mais aujourd'hui, ce qui nous intéresse, c'est la réédition de De Medicis, œuvre inaugurale moins maudite que méconnue, qui – grâce à une production sobre et des arrangements lettrés – a plutôt bien résisté aux outrages du temps. L'on retrouve certains marqueurs de l'époque, la réverbération, le chorus, les guitares arpégées en son clair, les notes longues sur les harmonies vocales, mais l'ensemble fait preuve d'un indéniable classicisme, en grande partie parce que les Grenoblois savaient trousser de vraies chansons. Et puis, quelle énergie ! Qu'il s'agisse de pop teintée de shoegaze (Hellish Hole), de power ballad (The Wind) ou de pub rock (Stray Dog), De Medicis prend un soin tout particulier à poser l'ambiance et ciseler les mélodies, pour qu'à la fin de chaque chanson, il reste au creux de la mémoire quelque chose à entendre. Au niveau des influences, l'on pense pêle-mêle au rock océanien (l'âpreté des Saints & la douceur du Dunedin sound), aux Smiths (les motifs de guitare arpégée), aux Stooges, aux Only Ones (le refrain de l'incantatoire The Storm), à House Of Love (le catchy Elodï), à James, à Peter Astor (la ballade Countryman, qui vire flamenco, ébouriffant), aux Young Marble Giants, à Love and Rockets et même à U2 (Stupid Lovers), bref, vous l'aurez compris, nous sommes entre gens de bons goûts. Plus dispensables, car moins dandy, sont Il est né (Le divin enfant) et la reprise en français du Children of the Revolution de T. Rex, mais elles donnent à imaginer la puissance de feu du groupe sur scène, tandis que la noisy pop pointait le bout de son nez. Plus qu'une simple madeleine musicale, la réédition remastérisée de De Medicis est l'occasion de (re)découvrir un groupe qui aurait mérité une bien meilleure destinée.

De Medicis de DE MEDICIS

site internet: : Candy Crockodile

Rien Faire

gdo — 2026-03-30T13:23:19Z

Il y a des façons très sérieuses de mesurer le monde : l'échelle de Beaufort pour les tempêtes, celle de Richter pour les secousses, celle de Mercalli pour les dégâts. Et puis il y a des systèmes plus domestiques, moins homologués, mais infiniment plus fiables. Chez moi, depuis un quart de siècle de disques reçus, écoutés, disséqués, il existe une unité de mesure parallèle : l'échelle de mon épouse. Dix graduations de scepticisme, d'agacement, parfois d'indifférence polie, rarement d'adhésion — une échelle empirique, bâtie au fil des années entre deux tasses de thé déposées et trois rappels à l'ordre ménager.

Le protocole est toujours le même : elle entre dans la pièce, jette une oreille, observe mon visage concentré, puis statue. Une moue équivaut à un 6, une question incrédule à un 7, une phrase assassine à un solide 8. Le 10 reste réservé à des territoires inhospitaliers, quelque part entre Karlheinz Stockhausen et quelques vinyles trop radicaux pour être nommés sans risquer de blesser des gens encore vivants.

À la troisième écoute de Le Défilé, nouvel album du trio Rien Faire, verdict : moue dubitative, donc 7. Pas si mal. S'ensuit la phrase rituelle, mi-sentence mi-appel logistique : « Comment tu fais pour écouter ça ? comment tu fais pour écouter ça, quand tu auras fini de t'amuser, tu pourras venir m'aider je fais des lasagnes et j'ai besoin d'un coup de main pour passer la pate dans le laminoir Imperia.

Ce qu'elle ne perçoit pas — ou feint de ne pas percevoir —, c'est que Le Défilé tombe exactement au bon moment. À cet endroit précis de nos vies où tout semble à la fois saturé et creux, où l'époque digère mal ses propres contradictions. Là où, jadis, au cœur des années Lionel Jospin, j'aurais probablement balayé d'un revers de main ce type d'objet sonore, aujourd'hui il agit autrement : comme une petite déviation salutaire.

Car derrière son apparente désinvolture, le disque tisse un drôle de patchwork : quelque part entre Devo, Philippe Katerine, Brian Eno et Talking Heads, Le Défilé avance en funambule, bancal mais attachant. Des chansons faussement légères — oui, « rigolotes », osons le mot (oui le mot est desuet, mais quoi de mieux que de se lover dans sa turbulette pour avoir encore envie de sentir vivant - subtilement referencées via une Explosion comme un bonbon acidulé)— qui planquent sous leurs airs, une mécanique bien plus fine. Ça pétille comme un bonbon qui pique, ça accroche sans prévenir, et ça finit par s'installer.

On pourrait parler de disque foutraque, et ce ne serait pas faux. Mais un foutraque qui sait très bien où il va. Même la pochette semble faire un clin d'œil à Jacques Rouxel, comme si Les Shadoks avaient laissé traîner une idée dans un coin de studio. Une manière de rappeler qu'il y a, derrière l'absurde et le bricolage, une tentative presque naïve de réduire la distance entre nous. Et c'est peut-être là que le disque touche juste : dans cette envie de resserrer les liens, de créer un petit espace commun dans une époque qui passe son temps à les distendre. Rien Faire, sous ses airs de ne pas y toucher, fabrique un point de ralliement.

Je prends les paris : sur l'échelle de mon épouse, la note finira par descendre. Parce qu'à un moment ou à un autre, même les plus sceptiques auront envie de rejoindre ce défilé. Et ça, mine de rien, c'est déjà beaucoup. Belle invitation

Le Défilé de Rien faire

site internet: : Dur et Doux

Aalborg

gdo — 2026-03-26T14:22:38Z

C'est une association un peu bancale, presque suspecte, mais dès les premières secondes du nouvel album d'Aalborg, une image s'impose : une version sous assistance respiratoire de Fade to Grey de Visage — ralentie, exsangue, mais étrangement plus habitée. Une réminiscence fragile qui dit déjà beaucoup de la matière sonore que les Clermontois de Aalborg, manipulent ici.

On les avait laissés, grace au toujours précieux label Araki Records, sur un And This is How… qui ouvrait des brèches : Une plongée sublime dans les méandres d'un univers aussi lumineux, qu'inquiétant disions nous à l'époque. Cette fois, il ne s'agit plus de descendre, mais de dériver — un vol en suspension, porté par des courants invisibles.

Car ce nouvel opus se vit comme une œuvre en mouvement permanent, un disque qui se déploie à mesure qu'il avance, dévoilant son horizon à chaque virage. Sur WWD TRACT 8271, tout tient dans cette tension subtile, cette manière de faire vaciller la structure sans jamais la rompre. Aalborg cherche ici une forme de pop aventureuse, jamais opaque, toujours lisible — une ligne de crête tenue avec une élégance rare.

Le spectre de Morrissey plane, forcément — comment ne pas y penser en écoutant It's Just Us, où affleure un lyrisme désabusé, presque romantique. Mais le groupe ne s'y enferme jamais : il traverse aussi les paysages indie pop des années 90, tout en ouvrant des percées expérimentales discrètes, comme sur Miracle, où le morceau semble constamment sur le point de se dissoudre. La mélancolie irrigue l'ensemble, comme un flux souterrain. Elle imprime sa marque sur The And Now, dont les structures instables rappellent ces terrains mouvants sur lesquels Thom Yorke aime s'aventurer en solo — zones de fragilité où tout peut céder, ou au contraire s'élever.

Et puis vient la fin, comme une échappée. Aalborg quitte peu à peu ses repères pour explorer d'autres territoires, d'autres possibles. The House By The Bond nous laisse dériver, suspendus à l'espoir de ne jamais atteindre la rive, tandis que The Toad, The Hare and The Deer — fausse fable, vraie sortie de piste — referme le disque avec une étrange douceur.

Un album qui questionne autant qu'il enveloppe, et qui, dans un geste presque paradoxal, nous invite à regarder en arrière pour trouver, peut-être, une issue.

Délicieux.

lifecatcher de Aalborg

site internet: : Araki Records and Atypeek Music

Chalk

Alix de Stermaria — 2026-03-25T20:31:20Z

Pas vraiment punk, les Chalk de Belfast, sauf à s'arrêter sur l'introductive Tongue, dont la frontalité techno dance, lacérée de riffs de guitares hypnotiques et de rythmiques saturées jusqu'à la transe, se fait l'écho d'une rébellion en toc depuis longtemps révolue. L'attendu Crystalpunk s'ouvrant sur une (réjouissante) fausse piste, c'est plutôt du côté d'Underworld et des acidulées années 90 britanniques qu'il faudra rapprocher le premier album du duo nord-irlandais. De Leftfield à Prodigy, en passant par Orbital et le big beat, en voilà de bien étonnantes réminiscences, que nous pensions (espérions ?) à tout jamais jetées aux oubliettes de l'histoire de la pop music. C'était Trainspotting, c'était les travellers, c'était les tee-shirts tribaux délavés : c'était moche, c'était mauvais, c'était anglais. À croire que Ross Cullen et Benedict Goddard, les deux multi-instrumentistes derrière Chalk, sont de fringants quinquagénaires sur le retour, mais non, ils n'auront même pas l'excuse de la sénilité pour justifier un tel niveau de rouerie, de paresse, de ringardise. Entre l'utilisation forcenée de l'autotune (I.D.C.), la fausse gouaille piquée aux voisins de Fontaines D.C. (Pain), les inflexions emo-teen (Longer), les lourdeurs rave-jungle (Can't Feel It) et les morceaux bouche-trous (Ache), pas grand-chose à sauver, y compris les huit minutes de Béal Feirste, sensée glorifier – à la manière lyrique d'un James Joyce épris de Dublin – leur ville natale. C'est néanmoins avec la rengaine électro One-Nine-Eight-Zero que le duo touche le fond, si tant soit peu il restait quelque chose à creuser : impossible de ne pas penser à l'irrésistible I Gotta Feeling des très dispensables Black Eyed Peas – oui, j'adore ce morceau, et quel bonheur pour moi quand en 2011 Mac Donald's offrait pour l'achat d'un menu une petite boîte à musique en plastique à l'effigie de Fergie et ses acolytes, dans laquelle vous pouviez insérer la cartouche de I Gotta Feeling, et ce fichu gadget parfois lançait la musique sans que vous le lui demandiez, et ensuite toute la fichue journée et la nuit qui s'ensuivait vous aviez en tête l'air de I Gotta Feeling, impossible de s'en débarrasser… et maintenant c'est votre tour. « I gotta feeling... That tonight's gonna be a good night. That tonight's gonna be a good night. That tonight's gonna be a good good night. I gotta feeling. »

Crystalpunk de Chalk

site internet: : ALTER

Fragile Figures

Alix de Stermaria — 2026-03-25T20:18:46Z

« La boîte à rythmes tabasse, la basse martèle les temps, les distorsions crachent, impeccable. Mêlant coldwave, post-rock, shoegaze, electronica, noise, indus et post-punk, Fragile Figures signe rien de moins qu'un des meilleurs albums que j'ai pu entendre ces derniers mois, j'adore. » C'est peu de dire qu'en 2025 l'intense See the Charcoal Rats nous avait bluffés, tant le duo basé à Colmar ouvrait grand les portes de son cinéma mental. En guise de cadeau d'anniversaire (noces de coton ?), Kai Reznik et son comparse Julien Schmitt nous offrent un EP plus atmosphérique, dont les trois compositions crépusculaires évoquent les excellents 65daysofstatic (l'épique et oppressif Something That Blocks The Light) tout autant que le black metal instrumental (l'approche mélodique de Late Fears Collision). Boîtes à rythmes martiale, basse métronomique, guitares réverbérées, claviers vrillés et piano saccadé, la tension par la pulsation sourde, The End Is Also A Beginning est une leçon de mise en scène, où tout se contient pour mieux exploser, brièvement, si brièvement que l'on se demande si on a rêvé. Étoile noire.

SEE THE CHARCOAL RATS + SOMETHING THAT BLOCKS THE LIGHT de Fragile Figures

site internet: : Matière Super

Daguerre

Alix de Stermaria — 2026-03-25T20:11:19Z

« Souvent tu sais dompter le ciel, les vents contraires, les hirondelles, et tu sais faire le doigt d'honneur quand tout est trop conventionnel ». Dixième album en vingt ans de carrière solo pour le Basque d'adoption, membre fondateur des Veilleurs de Nuit et collaborateur occasionnel de Cali, Michel Françoise ou Francis Cabrel : avec Corps Voyou, Olivier Daguerre, que l'on a notamment pu applaudir dans l'émission télévisée Tarata, nous offre un recueil de chansons rock classiques – telles qu'on les confectionne en France, c'est-à-dire inspirées par des States fantasmagoriques – pour lesquelles il s'adjoint les services de la parolière Louise Quillet. S'ouvrant sur la rengaine Un sujet qui fâche (mood western, scansion-allitération à la Alain Bashung, gros solo de guitare électrique), Corps Voyou oscille entre mélopée solaire teintée de flamenco (la caribéenne Marge de manœuvre, souplesse Alain Souchon, entrain Christophe Maé), complainte folk arpégée (Nulle part) et ballade rapide aux refrains entêtants (Dandy Bandit), nimbée de pedal steel guitar : « Échec lumineux, le cœur dans l'abdomen, même si le look est soigné, l'errance est humaine ». Portrait en creux du dandy Daguerre ? Élégance que l'on retrouve sur la ritournelle Un autre hiver, forte du contraste entre le piano - joué comme mécaniquement - et le chant au bord du souffle, sur l'orageuse La diagonale des fous, zébrée de distorsions et de violons saccadés, ainsi que sur l'épique C'est quelque chose. Trésor de (Da)guerre.

site internet: : Baboo Music